儿童素描风景画图片关于素描人像写生的看法 _旅游摄影

2015年4月30日 10:02:02 阅读(798)

【星河带你看风景】风景画图片水粉水彩儿童素描山水

精彩内容：

很难把素描仅仅局限在绘画基本功的范围里来加以评述，现在，当我们看到过往大师的此类作品时，完全可以把其当作记载作者精神与技巧信息的文本来研究。它不仅是对人类可见事物最朴素的描绘，同时它又是表现一位艺术家原始创意的最直接的手段。是艺术家心灵与情感轨迹的最生动体现，容不得半点虚假与造作。

中央美术学院对素描的要求可用一个“严”字概括。美院的整体教学风格是以严谨著称的，素描是基础教学，是油画、国画、壁画、版画和雕塑的基本功，所以对学生素描素质的要求是严上加严。有些人说美院保守、压抑，我倒觉的“保守”的不够、“压抑”的不够。其实从美院毕业的许多同学都有同感，我们得益于这种“保守”的教学风格、这种“压抑”的学习氛围。尤其是在打基础的时候，老师们都是教导学生对素描造型上的每一个问题都绝不能回避、绝不能玩花，一是一、二是二，看到什么就画什么，比例、色调、空间等这些素描基本问题一定要依据对象，不能过分的发挥主观能动性，以至于因过早的追求个性表现使作品流于浮浅。但不是一味的描摹，而是注重在描绘中理解自然中不变的规律。

自然、生活和生命是艺术创作取之不尽的源泉，一个艺术家对于他所处的自然、它自身的生活和包括他自己在内的整个生命的认识程度直接决定着他的作品的艺术价值和格调，作品格调的是美院老师们非常看重的。素描作为一种最朴素的描绘自然的绘画手段可以最直接的反应和训练艺术家的观察力、表现力，并帮助探寻自己独特的艺术语言。但是，不管使用什么样的素描工具和表现手法，让心、眼、手相互结合、相互统一才是画好一张素描的关键。因为，每一种具体表现语言的产生都不能是无源之水，画面上每一个痕迹都要来自于你对客观对象深刻地观察和体会。所以，只有把“心”静下来，“眼”才不会糙，看东西就会踏实了、客观了，这样才能看到对象最生动的部分，抓住眼前这个模特所独有的、不同于他人的特征，这些特征直接决定着对象的个性、经历、甚至身份，这些特征又不是孤立存在的，必须把他们放回到具体的空间和对象客观的形体位置上去才是正确的、才有实际的意义。也就是说，任何特征都要符合“人”的基本特征，“三停五眼”、“近实远虚”和所有透视规律等都是前人总结出来帮助我们基于观察进行理性分析的方法，这些方法有助于我们将感性认识和理性认识相结合，将所有观察和分析的结果转化到切实可操作的“手头功夫”上去。“心”决定“眼”，“手”是他们二者的反映，所有的观察方法和素描规律知识的运用都要基于上述原则，这样可以最大限度的避免概念，避免机械的模仿某种流行的素描风格，简单的追求“个性”和“夸张”在这里是行不通的。解决手头的问题是相对容易的一环，只要通过反复的练习，先静心、练眼，后练手，眼传心灵、手随心动，就可以在二度空间上创造出三度空间的假象。

现在社会上有大量的考前辅导书和类似作品分析一类的技法书，好像已经把“怎么画素描”说得很头头是道了，只要照办就能考上什么学校、就能画出什么效果，或者是打着什么“新素描”“新表现”等等旗号哗众取宠，好像画画的都变成了造电脑的，非得用“奔三”淘汰“奔四”才能证明自己的伟大。其实怎么画素描真是没什么可多说的，记得在我刚刚学画的时候根本没有什么所谓高考辅导书或素描技法书，父亲也不让我看那些东西，我只看大师的画册，不断的临摹和写生，根本不关心在中国的某个地方有什么人画什么画，有什么这样那样的创新，我只是相信我眼前的这个“真实的自然”，相信传统中“伟大的经典”，相信不断的努力和老师的指导一定能带来“丰厚的回报”。单就一张素描作业来说，形准才是第一位的，生动是油然而生的。把客观对象的真实造型特征尽量完整的、不是投机取巧的呈现在纸面上就可以画得特别像，既然特别像了也就生动了，生动的作品是会感人的，如果自己都觉得眼前的作品不准确、不像，那还怎能指望别人信以为真，自己尚不能被感动，岂能感动他人。

但是在这里，为了那些想弄懂怎样画素描的人学会怎么画，我还得写点儿“实际点”的东西，也为了让这本书的前言看上去不是太“形而上”了。这本书是有关素描人像写生的，人像写生尤其是全身着衣人物写生在技术难度上稍低于人体写生，但要画好它还是需要学生具备基本的人体写生能力、基本的人体解剖比例知识和相当的素描造型基本功，还要适当具有敏锐和独特的观察能力来把握提炼对象最感人的精神状态。除了五官特征外，人物的肢体语言对于作品的精神深度的表达也是至关重要的，所以从摆模特、选角度开始就要投入相当的关注，以利于自己独特的艺术表现——这要通过课外大量的阅读、积累知识和提高修养来实现。

人像写生一般不小于四开纸，如果是全身像就要用到整开纸。因为人像写生一般时间较充足，较深入，所以要选择较厚和坚韧的纸，颗粒粗糙度适中，不宜太粗糙，这样有助于不断的深入修改。法国的康颂纸、日本的白象纸都是市面上能买到的最佳选择，纸的颜色也不一定是白色，浅灰、奶白、淡黄等等颜色的纸都可以根据个人的喜好自由选择，以利于最佳的效果表现。绘画用的笔一般选择铅笔、炭笔、铅棒（石磨棒）、炭精条等有较好的耐用性和易修改的工具，最好使用德国、捷克和法国生产的，国产的一般品质不稳定、有杂质、添加剂含量太高。有些特殊效果可能需要用到墨汁、各色粉笔，甚至水粉颜料也可以少量使用（要使用毛笔）。

不管是画头像还是画半身和全身像，在开始画前选择好合适的构图是头等大事。可以在画面的角落里画几个小构图，也可以在速写本上画，要反复的推敲小构图，使画面既完整又不显死板，即平衡又略显动势。人物主体不要放在画面的正中间，要略为偏上，一般来说脸前的空间应略大于脑后的空间，人物与背景切割形成的画面四角的空间、面积和形状应略有不同。小构图定好以后就可以在画面上起形了，最好用3B或4B铅笔以便于涂改，用长直线起稿以便于确定大的比例关系。注意构图一定要完整：头像一定要画到肩，要把领子画全；半身像要把手取全，最好画到膝盖以下；全身像要画到脚，最好画一点空间关系和与身体发生关系的道具。起形过程中要特别注意对称形，既对称又符合透视规律（近大远小）；头颈肩的关系一定要仔细体会，固定最生动的扭动姿势；站七座五盘三半、三庭五眼等等前人总结的经典规律一定要铭记在心，并不断地审核画面上的线条间的比例关系。

起完形以后就要就可以铺大色调了。先确定主明暗交界线的位置，然后果断的分开大的明暗关系。一般用较软的铅笔（5B）均匀的将整个暗部涂几层色调，不宜太重，但一定要统一——头像要包括脖子领子和肩上的投影；半身和全身像要包括衣服大明暗。然后逐渐围绕明暗交界线向暗部逐渐加重，将明暗的宽窄、虚实和基本形状给与适当表现。最后适当的加入基本的中间色调，注意不要和暗部混淆。这一阶段的用时不宜太长，要迅速果断地对整体色调作出判断，并始终注意整个暗部的统一，不能过分的关注细节表现而失去大的体块特征，尽量明确黑白灰关系。

第三阶段是深入刻画，但要从上一阶段逐步过渡而来的，也是最消耗精力和时间的。此时可以使用到较硬的铅笔（H、1H、2H……），最好软硬交替使用。要能进能出、拿得起放得下——既能深入细致准确的刻画出细节，又能不断的将细节放回到整体关系中并对其加以修改。深入不等于画细，画像不等于抄袭自然的表面现象，每一层次的深入过程其实是对整个关系的调整与完善过程，局部要服从于整体，局部色调的明暗关系不能孤立存在，一定要与在一定光源下大的形体转折所形成的明暗关系相一致。为了强化某种效果，局部或者整体改变色调关系、增加或者缩小透视关系、改变某种比例关系的做法都是允许的，但必须是在合理范围内，不能过分放任这种主观能动性到脱离对象的客观实际的地步，因为那样既不能在写生中学到鲜活的经验也不可能真正得到理想的效果。

结束一张作业之前一定要给自己留出一点时间对整个画面作最后的调整。俗话说“即时地收手就是杰作，多画一笔可能就是垃圾”。其实，画是没有画“完”的，只有画“完整”的，不能一味的无目的深入，要经常将画面停留在一个相对完整的状态里。每一张画结束的时候应该是相对没有错误的状态，也可以说没有致命的、一眼就能辨认的错误。原则上说来，其实写生的过程就是一个不断“试错”的过程，学生从第一笔开始就是在不断地修改自己的错误，最终达到阶段性正确（平衡）状态，这时如果再画一笔，就有可能从新开始了新一轮的“试错”。每一次的“试错”所得来的经验教训都是下一次开始前宝贵财富，所以对于所有想学习绘画的读者来说，只有不断地去画画才是永世不变的真理。

2006.07.16

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